Categoria: DICAS

Acontece pelo quinto ano consecutivo a Ação de Cinema em Gramado, dias 14 e 15 de agosto, na Sociedade Recreio Gramadense e na Câmara de Vereadores de Gramado. Realizada pela Fundacine (Fundação Cinema do Rio Grande do Sul), 40º Festival de Cinema de Gramado, SESC – RS e Programa Cinema do Brasil/APEX Brasil,  com  o apoio da  APTC/RS (Associação Profissional de Técnicos Cinematográficos), do  SIAV/RS (Sindicato da Indústria Audiovisual do RS),  do IECINE (Instituto Estadual de Cinema), Secretaria de Estado da Cultura e da Fundação Cultural Piratini TVE,  a iniciativa tem o objetivo aproximar e promover encontros de negócios do audiovisual entre produtores, realizadores e empresas investidoras. Também estão previstos na programação encontros individuais entre os participantes com interesses afins e seminários relacionados às políticas públicas da atividade audiovisual.

Para participação dos Encontros de Negócios e agendamento de encontro One-a-One com os convidados internacionais é necessário conhecimento básico de inglês e espanhol. Inscrições gratuitas através do e-mail producao@fundacine.org.br, pelo telefone (51) 3226-3311 ou diretamente no com a FUNDACINE na Sociedade Recreio Gramadense durante o evento.

5ª Ação de Cinema em Gramado:

Locais: Câmara de Vereadores (Rua São Pedro, nº 369 – Centro – Gramado) e Sociedade Recreio Gramadense (Rua Garibaldi, 328 – Centro – Gramado)

PROGRAMAÇÃO:

Dia 14 de agosto de 2012

Seminário – 09h às 12h – Teatro Elisabeth Rosenfeld da Câmara

PRODAV – Sul (FSA)

Convidados: Sindicado dos Produtores, ANCINE e BRDE.

Mediador: Jaime Lerner (ABD-Nacional)

Seminário – 14h às 17h – Teatro Elisabeth Rosenfeld da Camara

Distribuição e Exibição Digital

Convidados: Filme B, Empresa Mística, FENEEC.

Mediador: João Guilherme Barone (FUNDACINE)

Dia 15 de agosto de 2012

Encontros de Negócios do Audiovisual – 9h às 12h

MESA 01 – CO-PRODUÇÃO INTERNACIONAL

Convidados: Revista Variety, INCAA, Festival de HAVANA.

Mediador: Beto Rodrigues (SIAV RS).

MESA 02 – DISTRIBUIÇÃO INTERNACIONAL

Convidados: Promovere, M-Appeal, Latinopólis.

Mediador: André Sturm (Programa Cinema do Brasil)

MESA 03 – DISTRIBUIÇÃO NACIONAL

Convidados: Federação dos Exibidores, Elo Company e Vitrine Filmes.

Mediador: a definir

MESA 04 – NEGOCIAÇÃO DE PRODUTOS PARA A EXIBIÇÃO EM TV

Convidados: Turner Network Television – TNT e Home Box Office – HBO.

Mediador: Cícero Aragon (Box Brazil).

Encontros One-a-One – 14h às 17h

A Fundacine estará agendando horários para os encontros individuais com os convidados das mesas, os quais estarão à disposição para atendimento durante à tarde do dia 15 agosto.

Um pequeno filme independente brasileiro vem chamando a atenção no exterior. Com passagem por mais de 40 festivais, como Veneza e Toronto, e 28 prêmios no currículo, “Histórias que Só Existem Quando Lembradas” se converteu na mais laureada produção nacional desde “Central do Brasil”. Em cartaz atualmente em países diversos como Holanda, Polônia, França e Estados Unidos, o longa-metragem estreou no Brasil neste final de semana em circuito acanhado, com cópias em São Paulo, Rio de Janeiro e Porto Alegre.

“Estou um pouco frustrada”, comentou ao iG a diretora Júlia Murat, 33 anos e grávida de oito meses, que debuta em longas de ficção com “Histórias…”. “Sabia desde o início que isso ia acontecer, o processo do filme foi esse. Consegui dinheiro lá fora e não no Brasil. Fui recusada pelo Festival de Brasília e entrei em Veneza. Era muito claro que eu teria muito mais repercussão e força lá fora, por mais contraditório que isso possa parecer, do que aqui. O Brasil hoje está voltado para cinema comercial. Há muito dinheiro, só que quase todo é colocado nas mãos de pouquíssimas produtoras que fazem filmes comerciais. A distribuição é quase igual. Esse é panorama que se tem hoje, está muito difícil fazer um filme que fuja disso.”

A ideia para o projeto surgiu em 1999, quando Júlia fazia assistência de direção para a mãe, Lúcia Murat, em “Brava Gente Brasileira”. Nas filmagens na localidade de Forte Coimbra, no Mato Grosso do Sul, a equipe descobriu que o cemitério local estava fechado há dez anos e os moradores que morriam precisavam ser enterrados em Corumbá, a sete horas de distância.

A imagem do cemitério trancafiado deu origem a um argumento calcado no realismo mágico, trabalhado durante anos, primeiro num curso no roteiro, depois em um workshop em Madri e, por fim, ao lado de Maria Clara Escobar e Felipe Sholl. No meio do caminho, Júlia dirigiu o documentário “Dia dos Pais” (2008), na verdade um laboratório para as filmagens da ficção, servindo para estudar locações e os diálogos de comunidades perdidas no interior brasileiro.

Festival do Rio: Filha de Lúcia Murat estreia na direção com “Histórias que Só…”

Com dificuldades para captar recursos no Brasil, Júlia conseguiu apoio primeiro na Argentina, através da produtora e diretora Julia Solomonoff, assistente de Walter Salles em “Diários de Motocicleta”. “É interessante que o instituto de cinema argentino (o INCAA, equivalente à Ancine no Brasil) tenha colocado dinheiro no filme. É raro, especialmente para um primeiro filme”, disse Júlia, que escalou profissionais argentinos (como o diretor de fotografia Lucio Bonelli) para formalizar a coprodução.

Da França, vieram Marie-Pierre Macia e Juliette Lepoutre, velhas conhecidas de Lúcia Murat. Produtora de filmes premiados como “O Cavalo de Turim”, de Béla Tarr, e consultora do romeno “4 Meses, Três Semanas e 2 Dias”, ganhador da Palma de Ouro, Marie-Pierre foi por muito tempo curadora da Quinzena dos Realizadores, mostra paralela de Cannes. Tamanha experiência no meio foi fundamental para que “Histórias…”, segundo Júlia, circulasse mundo afora.

“Sem dúvida nenhuma o filme deslanchou internacionalmente por causa das francesas, elas conhecem muita gente”, contou a diretora. “Espero que tenha uma qualidade do filme envolvida nisso (risos), pelo menos nos prêmios não tiveram influência nenhuma, mas elas conseguiram colocar o filme em Veneza, Toronto e San Sebastián, por exemplo.”

“Filme de festival”

Júlia também tem claros os motivos pelos quais “Histórias…” tem sido tão bem aceito. Em primeiro lugar, por sua temática universal, que poderia acontecer em qualquer lugar do mundo – a trama enfoca uma comunidade esquecida no interior do Brasil, composta basicamente por idosos, cuja rotina é interrompida pela chegada de uma jovem mochileira.

Além disso, a diretora admitiu que o longa, mesmo não intencionalmente, tem jeito de “filme de festival”. “É inevitável que esses cineastas da moda acabem influenciando o cinema que é feito hoje”, explicou ela, que assumidamente se inspirou nos trabalhos de Jia Zhang-Ke, Hirokazu Kore-eda e Carlos Reygadas, entre outros realizadores, todos laureados mundo afora. “Os cineastas que me influenciaram sem dúvida nenhuma se relacionam com a moda de festival atualmente.”

“Ao mesmo tempo”, acrescentou, “os festivais hoje estão procurando novos realizadores, querem descobrir pessoas. É muito mais fácil entrar num festival com seu primeiro ou segundo filme, ganhar e virar notícia, do que com um terceiro filme. O terceiro filme hoje é o mais complicado de todos.”

De volta ao Brasil, Júlia Murat passou com “Histórias…” pelo Festival do Rio e Mostra de São Paulo. Amparada pela Vitrine Filmes, distribuidora que se tornou um oásis para o cinema autoral feito no país, a cineasta demonstrou desgosto para com o circuito exibidor nacional. “O que é muito triste é que a gente tem recebido notícias de que exibidores encaram o filme como algo absolutamente difícil e que vai não dar público – o que é muito doido, porque a gente já ganhou quatro prêmios de júri popular.”

Crítica: “Histórias que Só Existem Quando Lembradas” experimenta com fantástico

“Se tem uma mentalidade muito ruim no Brasil hoje de que se sabe qual é o mercado, quem é o público, como ele funciona e o que quer ver. Isso faz com que não se inove nunca. Acho que precisamos quebrar esse círculo maléfico. É um pouco burro para o cinema brasileiro, porque até o próprio cinema comercial vai precisar se repetir de alguma maneira para manter essa lógica.”

fonte: http://ultimosegundo.ig.com.br/cultura/cinema/2012-07-09/tive-muito-mais-repercussao-e-forca-la-fora-afirma-diretora-julia-murat.html

Hoje o Cinema Brasileiro comemora 114 anos, desde que o cinegrafista italiano Afonso Segreto produziu o primeiro filme na Baía de Guanabara, em 1898. Embora o primeiro registro cinematográfico tenha sido feito por um estrangeiro, essa foi a deixa para promover a curiosidade entre os brasileiros que seguiram repetindo este gesto.Em homenagem a essa data, não poderíamos deixar de retomar os filmes que mais se destacaram em toda a história do cinema nacional. Para estudiosos e para o público em geral, seguem algumas dicas para prestigiar e entender melhor a nossa produção cinematográfica.

Filme: O Cangaceiro
Ano: 1953
Produzido pela Companhia Cinematográfica Vera Cruz, O Cangaceiro foi o primeiro filme brasileiro a participar do Festival de Cannes e obter repercussão internacional. A Vera Cruz também foi pioneira na tentativa de industrializar a produção brasileira dando valor aos bons roteiros e realizando projetos de diversos gêneros sem descuidar da estrutura necessária. O longa se destacou pela sua linguagem que se aproxima do western americano, sem deixar de tratar dos costumes daqui. Conta a história de Lampião (Milton Ribeiro) e seu bando de cangaceiros, que aterrorizavam o Nordeste e até hoje são figuras emblemáticas do imaginário popular.

Filme: Deus e o Diabo na Terra do Sol 
Ano: 1963
Mesmo com as mais árduas tentativas, o Cinema Brasileiro sempre teve de lidar com dificuldades financeiras. Nos anos 60, a situação não era nada boa, o que levou pequenos grupos de intelectuais a se unirem e continuarem produzindo seus filmes precariamente como uma forma de protesto. Influenciado por movimentos como o Neo-Realismo Italiano e a Nouvelle Vague Francesa, surgia o Cinema Novo, um movimento questionador que usava como a maior provocação a imagem de um cinema pobre, sujo, sem a qualidade técnica necessária. O maior representante foi Glauber Rocha e seu filme mais emblemático é Deus e o Diabo na Terra do Sol. O longa aborda a submissão do povo perante seus patrões e governantes, tendo apenas dois caminhos para percorrer: o religioso, que prega o pensamento de que uma vida melhor só é possível no paraíso; e o do cangaço, que promove a justiça pelas próprias mãos.

Filme: O Bandido da Luz Vermelha
Ano: 1968
O Cinema Novo criou uma linguagem que se diferenciou muito da utilizada nos filmes “fáceis”. O problema é que isso afastou os espectadores que compunham justo o público-alvo do movimento. Fazendo sátiras da chanchada e dos enlatados americanos, nasceu na Boca do Lixo de São Paulo, o Cinema Marginal, com temas incomuns e muito escracho. Reprimidos pela censura militar, poucos desses filmes chegaram aos cinemas, mas alguns foram fenômenos de bilheteria, entre eles O Bandido da Luz Vermelha. A obra dirigida por Rogério Sganzerla se baseia na história do famoso assaltante João Acácio Pereira da Costa (Paulo Villaça) que agia sempre acompanhado de uma lanterna vermelha, mantendo longos diálogos com suas vítimas e fugindo de forma ousada para gastar o dinheiro adquirido com extravagâncias. Através de uma narração policial sensacionalista, o filme faz críticas debochadas à imprensa, à polícia e aos sujeitos de classe média.

Filme: Dona Flor e Seus Dois Maridos
Ano: 1976
Nessa onda de Jorge Amado que está rolando na TV brasileira, uma ótima dica é o filme Dona Flor e Seus Dois Maridos. Produzido pela Embrafilme, o projeto representa o auge do Cinema Brasileiro, tornando-se a maior bilheteria do país (mais de 10 milhões de espectadores) e permanecendo no posto até 2010 quando foi ultrapassado por Tropa de Elite 2. O filme conta a história de Dona Flor (Sônia Braga) que tem uma relação de amor e ódio com seu marido-problema, Vadinho (José Wilker). Como a vida boêmia não perdoa, o amor da protagonista morre precocemente e a deixa viúva e desiludida. Após um bom tempo, Flor resolve dar uma chance a Teodoro Madureira (Mauro Mendonça) e aceita se casar com o respeitável farmacêutico. No entanto, apesar de ser bem vista na sociedade, ela fica insatisfeita com o marido cheio de pudores. Com isso, começa a sentir muita falta do falecido e seu desejo é tão forte que materializa um fantasma de Vadinho que a acompanha em seus momentos de solidão. Dona Flor é um exemplo de direção, com belas referências de Luis Buñuel e conta com uma das cenas mais famosas do Cinema Brasileiro, embalada pela inesquecível música de Chico Buarque O Que Será.

Filme: Cidade de Deus
Ano: 2002
Após o ápice, o Cinema Brasileiro teve o seu declínio no governo Collor. O Programa Nacional de Desestatização encerrou toda a produção cinematográfica do país, prolongando-se até 1995 quando Carla Camuratti lançou a muito custo o seu Carlota Joaquina. Depois disso, o cinema nacional foi se reerguendo com uma dificuldade que se estende até os dias de hoje. Um dos filmes marcantes da chamada Retomada foi Cidade de Deus, responsável por recuperar a aprovação de público e crítica, uma meta tão almejada pelos cineastas atuais. O filme conta a história de Buscapé (Alexandre Rodrigues), um jovem pobre e negro que tenta encontrar uma alternativa para viver que não seja se juntar ao crime organizado. Ele estabelece uma carreira ao apostar em seu talento como fotógrafo e quando consegue trabalho em um jornal, passa a registrar a violência de seu cotidiano.

Montar esta lista foi bem difícil, pois são tantos títulos marcantes que é complicado escolher. Mas espero que tenha ajudado a entender melhor sobre o papel do cinema no nosso país e que passemos a produzir mais filmes nossos sobre nós mesmos.

Postado por Jéssica Balbuena